Michael Cera

Sin duda esta es una “rara avis” dentro de los filmes que se estrenan esta semana en España. Una película que combina la comedia romántica con el absurdo y que el propio director del filme, Edgar Wright, define como una cinta que mezcla lo convencional con la locura.

Se trata de una película basada en la novela gráfica del canadiense Bryan Lee O’Malley que muestra las andanzas amorosas de un adolescente llamado Scott Pilgrim, pero que tiene la interesante particularidad de usar muchos elementos visuales propios del manga y de los videojuego dentro de la historia. El resultado, a juzgar por el tráiler, es una película totalmente fuera de lo común, no apta para mayores de 20 años, que combina el romance y la comedia (en su variante más sarcástica y grotesca – digna de un Tarantino) con la acción (con escenas propias, y al estilo de, un videojuego como Street Fighter) y mucha, mucha fantasía.

Poster de Scott Pilgrim contra el mundo

El loco argumento de esta cinta gira entorno a Scott Pilgrim (Michael Cera), un adolescente que toca en una banda de rock y al que, a pesar de ser bastante pálido y para nada atlético, nunca le han faltado chicas con las que entablar relaciones. Es más, la mayoría de sus problemas provienen del acoso de las chicas, sin embargo, un día todo cambia para Scott cuando se enamora de una misteriosa joven llamada Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead). No obstante, para conquistar su amor Scott deberá vencer algunos obstáculos, 7 obstáculos en total, que son los siete ex novios de Ramona a los que Scott deberá vencer, en lucha cuerpo a cuerpo, al estilo de Mortal combat, para poder quedarse con el amor de la chica.

Aunque suene raro ésa es, y ha sido siempre, la vida promedio de muchos adolescente, sólo que en este filme es retratada desde el punto de vista de una imaginación hiperactiva y utilizando la estética y el lenguaje visual de los video juegos, del cine y de la música de hoy. Estética con la que ha crecido toda una generación de chicas que cambian de color de pelo como quien cambia de remera y una generación de chicos que sabe más de videoconsolas que de libros de Julio Verne…

En resumen, Scott Pilgrim contra el mundo es una combinación de géneros inclasificable, pero a la vez resulta una propuesta muy atractiva que (al menos personalmente me) despierta gran curiosidad. Los dejo con el tráiler de esta mezcla de cine, videojuego y novela gráfica.

Imagen 1: www.blogdecine.com
Imagen 2: www.elseptimoarte.net

"La maldición de Capistrano", primera aparición de El Zorro

Johnston McCurry fue el responsable de crear y darle vida a uno de los personajes o héroes más famosos de todos los tiempos, El Zorro, el implacable héroe enmascarado que velaba por los intereses de su pueblo luchando contra las autoridades y los excesos que éstos cometían.

“La maldición de Capistrano”, un cuento publicado en el año 1919 en la revista de historietas All-Story Weekly, fue la primera aparición de EL Zorro y desde ese año ha ido en constante escalada llegando a nuestros tiempos, donde sin duda sigue despertando admiración no sólo en generaciones anteriores, sino en algunas más modernas, aunque en menor medida claro está, pues estamos ante un verdadero auge de héroes y anti-héroes de todo tipo.

El éxito de la primera publicación fue tan grande que MacCulley debió escribir otras 60 historietas del personaje, siendo la última en ver la luz “La máscara del Zorro”, publicada cuando el escritor ya había fallecido en el año 1959. A mismo tiempo, las películas no tardaron en llegar, encontrando una filmografía amplia como con pocos personajes encontramos.


Incluso las reediciones no se han hecho esperar, comenzando por la primera publicación que debió ser editada nuevamente ni bien se publicó la primera película, basada precisamente en “La maldición de Capistrano”, pero que fue conocida bajo el nombre “La marca del Zorro”. Como característica principal debemos decir que es cine mudo, pero no por ello dejamos de comprender qué es lo que está sucediendo.
Un punto importante en esta película es que se introduce, por primera vez, la vestimenta oficial del héroe, la que llevará hasta nuestros días, su traje, máscara y sombrero de color negro.

Escena de la película "La máscara del Zorro" de 1920

Tenemos más de 50 películas del Zorro, muchas de ellas nuevas versiones para hacer que el personaje no quede tan antiguo, pero además para lograr que permanezca vivo. Creo que todos conocemos las que están protagonizadas por Antonio Banderas, más por ser las últimas y, sinceramente, no están nada mal.

De todos modos, recomiendo si podéis, buscar las primeras, pues son muy diferentes a las que conocemos pero además es importante para conocer los inicios de uno de los personajes más célebres de todos los tiempos.

Imágenes: Dominio Público

La obra maestra de Louis “Studs” Terkel, Working puede ser considerada una recopilación de historias orales sobre las condiciones de trabajo en Estados Unidos durante la década de los 70. El nuevo Working es una adaptación gráfica que ha seleccionado 28 de estas entrevistas y, con la ayuda de Harvey Pekar, ha hecho un libro de historietas. Las ilustraciones a veces luchan para evitar la duplicación de estas entrevistas, es porque Terkel llegó a una ciencia de la narración y el ser humano muy grande. 35 años después, se ha convertido el patrimonio oral sobre la labor que todavía ilumina nuestra vida diaria.

“El trabajo de Studs Terkel siempre ha sido visual“, dice Paul Buhle, un destacado historiador, autor de la Historia Popular del Imperio Americano, espada letrada de la izquierda radical y dibujante estadounidense de cómics, hace la introducción al libro. Sin embargo, y ésta es la paradoja de esta colección de entrevistas con los trabajadores estadounidenses se convirtió en libro de historietas, Working, una adaptación gráfica, se enfrenta precisamente a este aspecto “visual” de las grabaciones de Studs Terkel.

En otras palabras, estas entrevistas publicadas en 1974 en los Estados Unidos, se habían llevado a cabo con una ciencia de la narración desarrollada por una personalidad de radio, la liberación de fuerza expresiva tal, que a veces es suficiente en sí misma. Otro obstáculo al que el libro está constantemente expuesto: la abundancia de material inherente al texto original. ¿Cómo hacer que estos testimonios pasen a formato gráfico? Un reto para los diecisiete diseñadores y escritores de cómics a los que ha llamado Buhle para este ambicioso, pero desigual, libro al que también se había asociado el gran Harvey Pekar, el escritor de American Splendor recientemente fallecido.

Algunos diseñadores como Peter Kuper y Jones Sabrina han tenido mejor suerte que otros. Pero, sorprendentemente, no necesariamente expertos en la novela gráfica: además de algunos ex-empleados de Crumb y Pekar, acostumbrados a este tipo de ejercicios, hay pinceles que se han criado Marvel Comics, Disney, en la publicidad o en la ilustración de libros para niños. También participa Dylan Miner, por ejemplo, un historiador del arte. Especialista en anti-colonialismo y arte visual de las culturas indígenas contemporáneas, logró con la ayuda de Pekar, encontrar la expresión ideal en la estética ingenua y reinvertir la saturación de los códices mixtecos para contar el destino de sus descendientes: un trabajador agrícola mexicano que cuento sus duras condiciones de trabajo en los campos de lechuga geométricos de los Estados Unidos.

En otra parte de Working, Lance Took esculpe un retrato de una camarera humilde, que sublima su tristeza cotidiana en una glamurosa revista de moda. Los clientes desagradables y el desprecio de los jefes no vayan en detrimento de su entusiasmo, pero la fatiga a veces tiene prioridad sobre el deseo de hacerlo bien. Esta tensión entre el placer y el dolor, la libertad y la coacción, los sueños no cumplidos y la ansiedad por aspirar a una vida mejor. Esta fórmula se repite en diferentes puestos de trabajo: un distribuidor de productos de peluquería, un jinete, una prostituta que trabaja en una sala de piano, una niña actriz y un sepulturero.

En la esquina del mapa invisibles de la nueva tradición oral de los Estados Unidos, también aparece Bárbara, una mecanógrafa antigua que ha decidido dejar de trabajar. Vivir de las rentas, mantenerse inactiva con la mayor lucidez, sin sentirse mano de obra: “Los seres humanos deben trabajar para crear un poco de coherencia. Esto sólo puede hacerse a través del trabajo y el amor – y el amor no ocupa las horas suficientes, no sólo trabajar“. Una realidad que no tiene nada que ver con el momento actual que vivimos, marcado por el desempleo masivo y la inseguridad laboral, el vértigo de la crisis económica mundial.

La lástima es que de momento tendremos que conformarnos con leerla en inglés.

Con estas palabras da comienzo el videojuego creado como último movimiento publicitario de cara al inminente estreno de ‘Watchmen’ el viernes 6 de marzo. El videojuego, en flash, imita el estilo de los beat’em up de los ’90, y como tal consiste básicamente en recorrer los escenarios de izquierda a derecha matando a todos los enemigos, hasta dar con el jefe final: Moloch. Tenemos dos personajes seleccionables, del grupo original de los Minutemen: Búho Nocturno y Espectro de Seda (en ambos casos los originales, por supuesto).

El metro volverá a ser un sitio seguro

Los escenarios son muy simples. Empezaremos en una calle, de ahí bajamos al metro, y de ahí vuelta a la calle, donde llegaremos al cine en cuya puerta nos espera Moloch, bastante más duro de tumbar. Nos lanzará cuchillos y mientras no caiga seguirán viniendo matones a hacernos la vida difícil. Afortunadamente, incluso en estas condiciones, no es especialmente complicado y podemos terminar el juego en no más de unos minutillos, que pasaremos con una sonrisa de oreja a oreja por esta especie de broma que nos han programado.

Espectro de Seda siempre será la justiciera más sexy

Este juego flash viene a cerrar la campaña de publicidad que durante poco más de un año se ha ido extendiendo poco a poco por la red, con todo tipo de contenidos: desde diarios de rodaje a todo tipo de material en forma de fotagrafías, entrevistas, páginas web, e incluso en las noticias debido a la jugada de la FOX que, incluso siendo algo malo, les ha beneficiado por aquello de que hablen de tí, aunque sea mal. La verdad es que, aunque existen opiniones radicalmente en contra de este tipo de publicidad, a mí me encanta. Resulta fresca y original, y no se puede negar que es efectiva: a día de hoy, aún sabiendo que es imposible condensar toda la obra en una sóla película, lo cierto es que me muerdo las uñas esperando al día 6 de marzo. No estoy de acuerdo, sin embargo, con que en el trailer de la película haya tantos spoilers (si no habéis leído la novela gráfica, os recomiendo que cerréis el navegador cuando de comienzo el trailer al acabar el juego).

Mientras llega el día, saciemos nuestras ansias enfrentandonos a los matones de Moloch en la web. ¡A ver si uno de nuestros lectores consigue colocarse el primero en el ranking!

El tipo de la derecha es Moloch

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Contract with God, de Will Eisner

A menudo se nos llena la boca hoy día hablando de novelas gráficas, dejando una inherente distinción con el cómic más común, como pueden ser las distinciones semánticas que ofrece el manga, la historieta o quizá la considerada más vulgar de todas -de una forma absolutamente errónea-, el tebeo.

Desde que el término se empezase a utilizar a mediados del siglo XX, aún a día de hoy no ha quedado perfectamente definido, y lo cierto es que se usa más para engrandecer obras de cara a su venta, que como correcta descripción de unos patrones predefinidos.

Aunque los orígenes del término aún navegan en cierto misterio -debido, en gran parte, a controversia y polémicas-, podemos situarlo como hemos dicho antes a mediados del siglo XX, cuando se mencionaba en sitios como ‘Bloodstar’, de Richard Corben. El primer uso serio que se le dio, como elemento de marketing especialmente, fue en la edición en tapa blanda de ‘Contrato con Dios’ de Will Eisner (en la imagen). Se suele decir que aquí es donde se bautizó a esta corriente narrativa, aunque podemos encontrar ejemplos muy anteriores. Escritores del XVI ya utilizaban el dibujo como medio inseparable de su texto, como William Blake. Sin embargo, solemos datar la primera novela gráfica (como tal) en 1957, cuando ‘El Eternauta’ de H. G. Oesterheld sale a la luz.

Cuando el argentino escribió su obra maestra aún no era consciente de este tipo de términos, que no fueron creados hasta más adelante. Revolucionó en cierta manera el cómic, ofreciendo una novela de ciencia-ficción intensa y trepidante, en la que los dibujos de Francisco Solano López eran una parte indivisible de la obra. Reunía todos los elementos que posteriormente caracterizarían a la novela gráfica. Sin saberlo, fueron los pioneros de algo que hoy en día ha cobrado una importancia vital, no sólo dentro del mundo del cómic sino también en el cine que, falto de ideas, se dedica a adaptar indiscriminadamente prácticamente cualquiera cuyos derechos caigan en sus manos.

Aunque no podemos decir que exista un significado oficial para los elementos que componen una novela gráfica, sí podemos enumerar una buena parte de características atendiendo a las más famosas que se han escrito. La principal característica apunta hacia la historia, cerrada. Una novela gráfica, al igual que una novela al uso, cuenta una historia con principio y fin (aunque, ésta puede ser arbitrariamente larga). Esta característica es la principal razón por la que se la suele distinguir de las historietas de cómic tradicionales, que tienden a construirse sobre largas series (como ocurre, por ejemplo, en ‘Spiderman’ o ‘Mortadelo y Filemón’). Se la relaciona también con temáticas adultas, con connotaciones mucho más serias y profundas, y en general con aspiraciones muy superiores a las de un cómic más normal, siendo ésta la principal razón de que se use el término sobretodo por razones de marketing, al ofrecer al lector la idea de que va a comprar una obra de calidad superior, cosa que evidentemente no siempre es cierta.

Las novelas gráficas suelen ser tratadas en el mercado de una manera distintas al cómic tradicional. Su edición suele ser de calidad muy superior, con tapa dura, mejor papel, y es común encontrarlas a la venta en cualquier librería. Se suele decir que una novela gráfica se llama así porque, de haberse contado esa historia en un libro en vez de un cómic, se trataría de una novela (y no de una larga serie de cuentos o historietas, como ocurriría normalmente).

A día de hoy, es fácil echar la vista atrás y encontrar un gran número de novelas gráficas que no sólo cumplen sobradamente esas características, sino que su enorme calidad las ha elevado a un nivel superior, el de obras maestras, no ya de la novela gráfica, sino del cómic o incluso de la literatura en algunos casos: ‘Watchmen‘ está considerado uno de los mejores libros escritos, ‘Maus‘ tiene un Pulitzer, ‘From Hell‘ está considerada la mayor labor de investigación sobre la figura de Jack el Destripador…

Tenemos muchas y muy buenas obras bajo esta clasificación. Esperemos que en un futuro cercano nos lleguen muchas más, y que la mayoría sean aún mejores.

Domu, llamada Pesadillas, en España y América Latina, es una de las novelas gráficas más interesantes de Katsuhiro Otomo, uno se los mayores exponentes, no solo del manga, sino de la historieta en general, de todo el mundo. En 1983, tres años después de que se comenzara a publicar, se le dio al autor un premio llamado el Grand Prix de Ciencia Ficción de Tokio. Fue el primer manga en recibir este tipo de galardones.

Katsuhiro Otomo es un autor de manga. En general, en el manga, la historieta japonesa, no existe tan marcado el papel de la dupla. En la historieta occidental es muy común que el trabajo sea dividido en dos partes, y por consiguiente, en dos artistas: un dibujante y un guionista. En la tradición japonesa de este arte de globos y dibujos, es muy común que ambas partes sean realizadas por un autor integral.

Otomo será siempre reconocido por su genial obra Akira, tanto en el mundo impreso como en el mundo fílmico. Lo que resulta bastante enojoso para los amantes de la historieta es que este Apocalipsis futurista de Otomo, es muchas veces nombrado como la razón de la muerte de la historieta occidental.

¿Oriente vs Occidente?
Muchas personas creen que, con el crecimiento del manga y su total globalización, su entrada en todos los mercados, el público se alejó de los autores occidentales. Ellos dicen que Akira, y Dragon Ball (de Akira Toriyama) son las dos historietas que avasallaron a Moebius, a Oesterheld y lograron que el público joven dejara de leer a Mafalda y Asterix.

Por supuesto, este concepto es muy drástico y a mi entender, errado. Durante los 80’s y 90’s el público masivo dejó de consumir el material occidental, prefiriendo leer Los Caballeros del Zodíaco y Dragon Ball. Quizás el hecho de que el animé (series y películas relacionadas con el manga) tomara las mismas historias y las convirtiera en frenéticos dibujos animados ayudara a su masificación. Sin embargo, Otomo es, justamente, el puente de oriente y occidente. Sus historias podrían transcurrir en cualquier cultura. Y de ninguna manera son anti-europeas.

Es verdad que muchas de las historietas de Otomo tienen una marcada política que repudia el avasallaje norteamericano, pero justamente, eso tiene mucho que ver con los historietistas europeos y latinoamericanos.

De la Publicación de Domu y de su argumento
Esta genial historieta se comenzó a publicar en la revista Action Comics, de la DC Comics en 1980. La revista, nacida en 1938, en un mal momento para el mundo, el momento en que los estadounidenses sufrían todos de una depresión bélica terrible. En Action Comics nace Superman, el personaje que fue creado para enfatizar el poderío americano y generar un nacionalismo latente en los más jóvenes. Es irónico que la misma revista que publicó al super hombre, luego, cuarenta años después, publique al autor japonés que más castiga a los Estados Unidos por lo ocurrido en la Segunda Guerra Mundial y sus explosiones nucleares.

Domu es, sin duda, un comic Otomo. Aunque no se detiene tanto en la política, como si lo hace en sus comics Cyberpunk. Este manga tiene mucho que ver con el temor a lo desconocido, la magia de la imaginación y la potencialidad de los jóvenes. Todos estos factores también están presentes en Akira, con sus niños dotados.

Este manga está considerado dentro del género del Terror Psicológico. Este tipo de relatos son en los que el lector, o espectador no se limita a exaltarse por imágenes macabras y sangrientas, sino que realiza un compromiso más profundo con los personajes, y se sienten identificados. Se evoca a la emotividad el lector.

La historia transcurre en un bloque de edificios de apartamentos. Tiene una estética arquitectónica agobiante e impersonal. Miles de personas viven allí, unos tan cerca de los otros, sin conocerse los unos a los otros. Es una perfecta metáfora de las grandes metrópolis japonesas.

En ese barrio están sucediendo extrañas cosas, y  comienzan a aparecer muertos, que parecen ser suicidas. Todas las muertes tienen circunstancias extrañas. Por ejemplo unos policías que patrullaban la zona se descuidaron unos momentos, uno de ellos se detuvo para orinar. Cuando volvió, su compañero había desaparecido, lo encontraron muerto, estrellado contra el piso, pero le faltaba su revolver.

Los niños, en este barrio, son muy perceptivos, y durante toda la historieta suponemos muchas cosas. Generamos diferentes hipótesis conectadas siempre con lo paranormal, y con estos niños, porque las pistas nos van llevando a eso. A pensar que alguno de esos niños está asesinando a esas personas.

A cada una de las víctimas le desapareció algún objeto, como si el asesino coleccionara trofeos de sus logros. La historia da un giro inesperado, o quizás no tanto, si tomamos en cuenta ciertas actitudes de los niños, al mostrarnos al verdadero asesino: un viejo con poderes extrasensoriales, que recorre el lugar por las noches realizando travesuras como si fuera un niñito. La dualidad infanto-geronte del personaje, esa mezcla entre niño y anciano, lo hace aún más macabro.

La relación que se da entre los niños dotados del lugar y el monstruoso anciano es muy interesante. Es una constante amenaza, una constante tensión, ya que ellos saben qué es él, a diferencia del mundo de los adultos, pero lo afrentan, tratándolo como si fuera un niño más.

El anciano, Cho-san, también disfruta mucho de atormentar a los policías que investigan los extraños casos. El comisario fue una de sus víctimas, y luego se dedicó a atormentar a su mejor amigo con imágenes del hombre fallecido en los bancos de las plazas del complejo edilicio. Es una historia de niños perturbados, masas asustadas, investigaciones policiales truncadas por una verdad inverosímil; y entre todo eso: Cho-san.

Pablo de Santis (escritor argentino de ensayos, novelas y guionista de tiras de historieta), hablando de Domu, de Akira y de la relación de Otomo con autores de comic occidental como el francés Moebius y el chileno Alejandro Jodorowsky hace la siguiente reflección que resulta muy acertada: “Recorre sus páginas la sensación de que algo ominoso está ocurriendo sin que lo sepamos. Como en el cine japonés de los ’50, el entretenimiento fundamental es la destrucción; pero aquí los monstruos son invisibles.”

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